스위니 토드 : 어느 잔혹한 이발사 이야기

(Sweeney Todd: The Demon Barber Of Fleet Street) 

개봉일 : 2008.01.17 (한국 기준)

감독 : 팀 버튼

출연 : 조니뎁, 헬레나 본햄카터, 앨런 릭먼, 티모시 스폴, 시챠 바른 코헨, 제인 와이즈너, 제이미 캠베 바우어

‘잿빛 도시를 향해 뿜어진 붉은 복수심과 광기’

잿빛으로 물든 세상에 빛과 구원은 없다. 파랗게 질려버린 하늘만 남아있을 뿐.이발사 벤자민 바커는 탐욕으로 가득 찬 터핀 판사에 의해 모든 걸 빼앗긴다. 따스하게 내리쬐던 햇볕 아래 아름답게 피어난 꽃처럼 아름다운 아내와 딸을 잃은 그에게 남은 건 복수와 악에 받친 광기뿐이다.

<스위니 토드>엔 팀 버튼 감독 특유의 음울한 색채가 가득 담겨있다. 권력에 의해 인생을 약탈당한 벤자민 바커는 ‘스위니 토드’라는 새로운 이름을 짓고, 재를 뿜어내고 있는 새까만 도시로 돌아온다. 무채색에 가까운 낮과 밤. 스위니 토드가 바라보는 무채색의 도시엔 고유한 아름다움과 색을 뽐내고 있는 것이 없다. 모든 것이 갇혀있는 듯 정적이고 새까맣다. 하지만 그중, 유독 강한 존재감을 뽐내고 있는 색이 하나 있다. 그건 바로 빨간색이다. 복수, 광기라는 단어와 빨간색이 합쳐지면, 이 색이 무엇을 뜻하는지 대략 감이 오지 않는가.

이 이야기는 마치 언젠가 유행했던 ‘어른들을 위한 잔혹동화’같다. 선혈이 낭자하고, 단단할 거라 예상했던 사람들의 신체가 한순간에 뭉개진다. 모자람 없이 기괴하다. 다소 잔인하기도 하며 허망하다. 소중한 사람을 되찾기 위해 사람이 사람을 잡아먹는 세상으로 돌아온, 복수심만 남은 잔혹한 이발사의 이야기에 희망 따윈 존재할 수 없었던 걸까.

스위니 토드 시놉시스

사랑하는 아내와 딸과 함께 행복한 남자 벤자민 바커(조니 뎁). 그러나 자신의 아름다운 아내를 탐한 악랄한 터핀 판사 때문에 억울한 누명을 쓰고 감옥에 갇힌다. 그 후로 15년. 아내와 딸을 되찾기 위해 고향으로 돌아온 그는 복수를 위해 스위니 토드로 거듭나 이발소를 연다. 그날 이후 수 많은 신사들이 이발하러 간 후엔 바람같이 사라져 나타나지 않고, 이발소 아래층 러빗 부인(헬레나 봄햄 카터)의 파이 가게는 갑자기 황홀해진 파이 맛 덕분에 손님이 끊이지 않는데. 그런데 스위니 토드의 사랑하는 아내와 딸은 대체 어디로 사라진 걸까?

* 아래 내용부턴 스포가 있을 수 있습니다 * 

“난 바커가 아냐. 그는 죽었어.”

아름답고 다정한 아내, 작은 숨을 내쉬고 있는 딸을 품에 안았던 벤자민 바커는 이제 없다. 벤자민 바커 가족이 떠나고, 그의 면도 칼이 2층 마루 밑에 묻힌 날. 벤자민 바커라는 인물은 사라진다. 터핀 판사에 의해 끌려간 감옥에서 지옥 같은 15년을 보낸 그에게 남은 건 스위니 토드라는 새 이름과 분노뿐이다. 다시 돌아온 런던은 15년 전 그날에 비해 더 진한 잿빛이 되어있었다. 어둠 속에 갇혀있던 면도칼과 이발 도구가 다시 주인의 손으로 돌아간 날 밤. 스위니 토드는 면도칼을 들고 이제 곧 루비처럼 새빨간 피를 흘리게 될 것이라 말한다.

러빗 부인은 아내 루시가 독약을 먹었다며 스위니 토드가 떠난 후에 일어났던 일들을 얘기해 준다. 자신의 수모로도 모자라 사랑하는 아내를 농락하고, 거기에 얼굴도 제대로 본 적 없는 어린 딸을 데려간 파렴치한이라니. 스위니 토드의 분노는 하늘 끝까지 치솟는다. 하지만 기회를 기다려야 했다. 아직 살아있는 딸을 만나기 위해, 저 위층에서 자신을 내려다보고 있는 터핀 판사를 한 번에 잡기 위해서.

스위니 토드는 때를 기다리며 수많은 사람들의 목을 긋는다. 서서히 광기에 말려들고 있던 그는 자신의 정체를 들킬 위기에 처하자 폭발해버린다. 시끄러운 소리를 내며 물을 끓이고 있던 주전자로 피렐리의 머리를 내리친 순간, 15년간 쌓아왔던 분노와 원망, 광기가 터져 나온다. 한 번에 터져 나온 그것을 막을 것은 아무것도 없었다. 러빗 부인은 스위니 토드의 옆에 딱 붙어 그가 살해한 사람들로 파이를 만들기 시작한다. 육즙이 줄줄 흐르는, 먹음직스러운 파이를.

사람이 사람을 잡아먹는 세상이다. 아니, 정확히 말하자면 위에 있는 사람들이 아래 있는 사람들을 잡아먹는 세상이다. 스위니 토드와 러빗 부인, 그리고 어린 토비는 아래 계층에 있는 사람, 러핀 판사와 그의 수족인 비들은 그 위에 서 있는 사람이다. 러핀 판사는 피고인보다 높은 판사석에 앉아 무심하게 교수형을 선고한다. 피고인은 어린아이였고, 진짜 범인인지 확실치 않은 상황이지만 그는 딱히 신경 쓰지 않는다. 범인인지 확실치 않아도 어차피 죄가 없는 사람이 어디 있겠냐-고 말 할 뿐.

러핀 판사는 높은 곳에 앉아 부와 명예를 누리고 있으면서도 욕심을 버리지 못한다. 가진 거라곤 사랑하는 가족뿐인 벤자민 바커의 가정을 파탄 내고, 그의 아내를 미치광이로 만들고, 홀로 남겨진 딸, 조안나를 자신의 집에 가둬둔다. 그리고 악을 구원하겠다며 어린 조안나와의 결혼을 결심한다.

스위니 토드와 러빗 부인은 어차피 사람이 사람을 잡아먹는 세상이니, 아랫놈이 윗놈을 잡아먹는 것 또한 당연하다고 생각한다. 면도를 하기 위해 2층으로 올라간 남자들은 목이 그어진 채 건물의 지하로 떨어져 완전한 죽음을 맞이한다. 아랫놈을 잡아먹는 윗놈에 대한 복수심으로 시작된 잔혹한 일이었다.

근데 이 복수가 참 아이러니한 게, 결국 스위니 토드의 손에 죽은 사람들은 대부분 그와 비슷한 사람들이라는 점이다. 스위니 토드에게 죽은 사람들은 모두 연고가 없는 남자들이다. 우아한 옷을 차려입고, 부채를 펄럭이는 아내와 함께 온 남자는 연고가 있다는 이유로 무사히 살아돌아가고, 그렇지 못한 남자들은 스위니 토드의 손에 죽게 된다.

이 이야기의 아이러니함은 스위니 토드가 딸 조안나와 마주치는 순간과 루시의 목을 긋는 순간 절정에 이른다. 복수에 성공한 직후, 단 한 번만이라도 보고 싶다고 생각했던 딸의 얼굴을 마주한 스위니 토드는 딸에게 내 얼굴을 잊으라고 말한다. 그리고 그는 자신에게 아는 사이지 않냐고 물어오던 아내의 목을 긋는다.

그토록 궁금하고 그리웠던 딸에게 건넨 유일한 한마디는 나를 잊으라는 명령이었고, 사랑하는 아내를 죽인 건 러핀 판사가 아닌 광기로 가득한 자기 자신이었다.

스위니 토드는 뒤늦게 사실을 알고 러빗부인을 오븐에 가둬 태워버린다. 복수는 모두 성공했다. 하지만 그에게 남은 건 나의 면도칼에 목을 베인 아내와 얼굴조차 제대로 마주한 적 없는 딸의 존재뿐이다. 스위니 토드가 토해낸 피는 루시의 얼굴을 타고 흘러 바닥에 닿는다. 그리고 천천히, 아주 끈적하게 더러워진 바닥 틈새를 파고든다.

이 복수 계획은 무엇을 위해 존재했던 걸까. 라고 묻는다면 명확히 대답할 수 없을 것 같다. 하지만 이것 말고 다른 방법이 있었느냐고 묻는다면, 그 또한 쉽게 답할 수 없는 문제다.

고귀하지 않다고 여겨지던 자의 피는 벽과 바닥을 타고 톱니바퀴 위에 떨어진다. 피는 톱니바퀴 사이를 파고들고, 톱니바퀴는 묵직한 소리를 내며 돌아간다. 피는 흐르고 흘러 결국 지하보다 더 깊은 지하. 하수구를 타고 흐른다. 그들의 피는 사회라는 커다란 기계를 돌리는 톱니바퀴 사이에서 사정없이 짓이겨지고 있다. 정의가 사라진 사회에서 윗사람이 되지 못한 사람들의 피는 점점 더 아래로, 더 깊은 곳으로 흘러내려갈 뿐이다.

* 스포일러가 있습니다.

전두환 정부의 등장에 발맞춰 더 노골적인 에로 영화 <애마부인>을 제작하기로 결심한 제작사 대표 '중호'(진선규). 전속 계약을 맺은 스타 배우 '희란'(이하늬)가 노출 영화 출연을 반대하자 중호는 희란을 조연 '에리카'로 내리고 그녀를 대체할 신인을 발굴하기로 한다. 힘없는 신인 감독 '인우'(조현철)는 중호의 요구에 맞는 배우를 찾기 위해 오디션을 진행하지만 좀처럼 적임자를 발견하지 못한다.

어느 날, 인우의 눈앞에 배우 지망생 '주애'(방효린)가 등장한다. 첫눈에 반한 그는 희란의 반대에도 주애를 주연 '애마'로 캐스팅한다. 하지만 그 이후로도 <애마부인>의 제작은 뜻대로 진행되지 않는다. 희란의 방해로 촬영은 계속해서 중단되고, 심지어 정부에서도 인우가 쓴 대본의 선정성을 문제 삼은 것. 이에 중호는 결단을 내린다. 주애를 희생하는 한이 있더라도, 반드시 <애마부인>을 완성하기로.

왜 '픽션 코미디'일까?

넷플릭스 시리즈 <애마>를 소개하는 홍보문구 중에는 눈에 띄는 표현이 하나 있다. 바로 '픽션 코미디'다. 코미디 영화에는 로맨틱 코미디, 블랙 코미디, 블루 코미디, 범죄 코미디 등 수많은 하위 장르가 있다. 하지만 픽션 코미디는 거의 접해 보지 못한 표현이다. '픽션 코미디'를 검색하더라도 <애마>를 소개하는 최신 기사 외에는 제목에 '픽션'이 들어간 <러브 픽션> 같은 코미디 영화에 관련된, 오래된 기사만 나올 뿐이다.

<애마>는 왜 용례가 거의 없는 표현, 특히 '픽션'을 굳이 강조해서 사용했을까? 그 답은 방패막이라고 할 수 있다. 제목만 봐도 알 수 있듯이, <애마>는 1982년 영화 <애마부인>에게서 영감을 받은 코미디 작품이다. 특히 <애마>는 <애마부인>을 비롯한 에로 영화가 인기를 끌기 시작하던 1980년대 초반의 사회 분위기와 영화계의 병폐를 <애마부인>의 제작 과정에 빗대어 풍자한다.

실제로도 <애마부인>의 제작 과정 에피소드가 드라마 곳곳에 삽입됐다. '애마'(愛馬)가 아니라 '애마'(愛麻)로 제막을 정한 이유, 알몸을 보여주지 않으면서도 야한 장면을 연출하기 위해 편법을 동원한 사연 등이 대표적이다. 하지만 <애마>가 완전히 실화를 다룬다고 볼 수는 없다. 일례로 극 중 <애마부인>의 주연인 주애와 감독인 인우가 모두 신인이지만, 실제 배우와 감독인 안소영과 정인엽은 각각 3년, 15년 이상의 경력자였다.

이런 상황에서 '픽션 코미디'라는 표현은 <애마>에게 좋은 방패막이다. '픽션'이니까 현실을 취사선택하여 일부는 실화를 차용하고, 일부는 영감만 얻은 허구로 내용을 구성해도 무방하기 때문. 이는 코미디 영화로서 자유롭게 풍자와 해학을 선보일 수 있는 환경이기도 하다. 바로 여기서 <애마>는 자가당착에 빠진다. '픽션'을 표방하지만, 정작 선을 넘는 상상력이 필요한 순간마다 현실을 의식하면서 자기 발목을 잡기 때문이다.

세 작품의 공통점

<애마>를 보면 두 편의 영화가 떠오른다. 쿠엔틴 타란티노의 <원스 어폰 어 타임 인... 할리우드>와 데이미언 셔젤의 <바빌론>이다. 셋은 공통점이 많다. 주인공은 허구지만, 극 중 등장한 영화는 실제 작품이다. 영화 산업의 환경이 급변하는 시기에 활동하는 영화인들의 삶을 다룬다는 점도 유사하다. 무엇보다도 셋 다 코미디를 적극 활용하여 암울하거나 비극적인 실제 역사를 영화라는 대안 현실 속에서 바꿔 보려 한 가상 역사물이다.

스파게티 웨스턴의 유행이 저물던 1960년대의 할리우드를 배경 삼은 <원스 어폰 어 타임... 인 할리우드>는 샤론 테이트 살해 사건을 다룬다. 역사대로라면 유망한 여배우, 샤론 테이트는 찰스 맨슨의 사주를 받은 히피 집단에게 살해당한다. 하지만 타란티노는 전성기가 지난 영화배우와 그의 스턴트맨이 맨슨 패밀리를 대신 해치우는 과장된 코미디로써 샤론 테이트에게 비극 대신 밝은 미래를 선물하고, 대안 역사를 만들어냈다.

무성 영화의 시대가 저물고 유성 영화가 주받기 시작한 1920년대가 배경인 <바빌론>도 마찬가지다. 셔젤은 무성 영화 시대에는 스타 배우와 제작자였던 세 주인공이 유성 영화 시대에 어떻게 몰락하는지를 보여준다. 특히 전성기와는 달리 초라해진 삶에도 불구하고 끝내 영화를 놓지 못한 그들의 진심을 중점적으로 비춘다. 영화에 대한 그들의 열정과 사랑이 지금의 할리우드를 만들었다는 헌사로 <바빌론>이 끝나는 이유다.

<애마>도 유사하다. <애마부인>의 제작 과정은 신예 감독 및 배우와 전성기에서 내려오는 스타 배우 및 제작자의 갈등으로 가득하다. 이는 전두환 정부의 3S(섹스, 스포츠, 스크린) 정책과 맞물려 에로 영화가 70년대 호스티스 영화를 제치고 인기를 얻은 변화의 시기를 단적으로 보여준다. 그와 동시에 <애마>는 과장된 코미디로 후반부를 가득 채우면서 성적 대상으로 소비된 여배우들에게 위로와 응원을 전한다.

<애마>가 고쳐 쓴 역사와 영화

그 중심에는 이하늬와 주애의 연대감이 싹트는 서사가 있다. 영화 촬영 전까지만 해도 이하늬와 주애는 앙숙이었다. 자리를 뺏길까 두려운 이하늬가 주애를 경계했다. 하지만 접대 자리에서 마주한 뒤 두 여배우는 같은 처지임을 비로소 이해하고, 그들 사이에서는 동질감이 싹튼다. 그들이 서로 싸울 때가 아니라, 성적으로 착취하는 공통의 적과 싸워야 한다는 사실을 깨달은 것.

주애와 이하늬는 각자의 방식으로 저항한다. 주애는 대종상 시상식에 말을 타고 등장한다. <애마부인>의 흥행 이후 그녀는 나이트클럽 댄서였다는 이유로 추악한 성 추문에 시달리지만, 댄서 옷을 입고 말을 탄 채 시상식 레드카펫에 등장하면서 뜬소문이 거짓임을 당당히 밝힌다. 이하늬는 영향력이 더 강한 스타답게 싸운다. 그녀는 시상식 무대에서 제작사의 강요로 인해 여배우들이 고위 정치인을 접대해야 했다는 사실을 폭로한다.

서로를 보호하면서 그들의 동질감을 연대로 발전한다. 이하늬는 자기 자신을 위해서가 아니라, 다음 세대의 여배우를 보호하기 위해 자기 치부를 드러내면서까지 진실을 밝힌다. 주애는 그 직후 경찰에게 체포될 위기에 처한 이하늬를 말에 태워서 도주하며 구해준다. 두 여배우의 연대는 시상자로 특별출연한 안소영의 “돌이켜보면 영광스럽지 않은 날들이 없었다”는 대사와 맞물리면서 당대의 여배우와 여성을 향한 위로로 이어진다.

극 중 <애마부인>과 실제 영화의 결말이 다른 이유이기도 하다. <애마부인>은 여성의 주체성을 성적 욕망이라는 매개체로써 보여줬다는 의의와 주인공 오수비가 결국 의지를 꺾고 가정으로 돌아간다는 한계를 같이 지녔다. 하지만 극 중 <애마부인>은 애마가 에리카의 도움을 받아 진정 자유를 찾는 결말로 막을 내린다. 즉, <애마>는 <애마부인>이 진정으로 말하려던 바를 40년이 지나서야 비로소 끝맺어 주는 드라마나 다름없다.

메시지와 형식

<애마>의 메시지는 구조와 형식에도 반영되어 있다. 이해영 감독의 필모그래피를 관통하는 키워드가 하나 있다면 바로 전환이다. 대부분의 연출작이 후반부에 들어서면 급격하게 장르를 전환하는 것. 전작인 <유령>만 해도 미스터리 추리극에서 급격하게 액션 활극으로 전환됐고, <경성학교: 사라진 소녀들>도 공포영화에서 액션으로 방향을 틀기도 했다. 그 정도가 덜한 <독전> 또한 전후반부의 분위기 차이가 극명한 작품에 속한다.

<애마>도 마찬가지다. 1화부터 3화까지는 평범한 드라마에 가깝다. 희란의 몇몇 등장 장면을 제외하면 <애마부인>의 제작 과정을 충실히 보여주는 데 집중한다. 하지만 4화를 기점으로 드라마의 분위기는 급격하게 코미디로 전환된다. 특히 희란과 주애가 진선규를 비롯한 권력자들에게 복수하는 장면은 이른바 병맛, B급 연출로 가득하다. 그 덕분에 당대 사회상을 풍자하고 여성의 연대를 강조하려는 의도가 더 확실히 전달될 수 있다.

사실 이러한 장르의 전환은 불가피한 측면도 있다. 영화나 드라마 내에서 가상의 영화나 드라마를 찍는 작품들은 대체로 촬영하는 영화를 일종의 거울로 활용한다. 극중극과 주인공들의 상황과 사연이 겹치는 순간을 강조하며 감정선을 고조하는 식이다. 다만 이 경우 해당 작품의 촬영이 끝난 순간부터는 일종의 구심점이 사라진 나머지 각 인물의 서사가 제각기 흩어지고, 극의 짜임새가 유지되기 어렵다는 문제가 있다.

<애마>도 마찬가지다. <애마부인> 제작 과정과 주애가 성적으로 소비되는 과정에 초점을 맞춘 전반부가 끝나고 나면 드라마는 일시적으로 구심점을 잃는다. 이에 <애마>는 당대 영화계의 병폐를 고발하고 풍자하는 방식으로 과장된 코미디를 일선에 내세우면서 새로운 구심점을 찾으려 한다. 희란과 진선규가 사무실에서 트로피를 서로에게 집어던지는 식의 과장된 연출이 4화를 기점으로 집중적으로 등장하는 이유가 여기에 있다.

자기 발목을 자기가 잡다

이때 코미디의 핵심은 선을 지키지 않는 것이라 할 수 있다. 어차피 실제 현실이나 역사가 아닌 대안적 세계를 묘사하는 만큼 과감한 상상력을 보여줘도 문제가 되지 않기 때문. 오히려 그럴수록 강렬한 쾌감과 큰 웃음이 작품의 의도와 메시지로 가득해지기도 한다. <원스 어폰 어 타임... 인 할리우드>에서도 두 주인공이 화염방사기로 맨슨 패밀리를 불태워 버린 덕분에 샤론 테이트에게 주어진 가상의 미래는 더 희망적으로 느껴진다.

그러나 <애마>는 과감해지지 못했다. 결정적인 순간마다 판타지에 가깝게 상상력을 뽐내는 대신, 자꾸만 망설이면서 현실로 회귀한다. 주애의 레드카펫 장면이 대표적이다. 말을 타고 등장하는 아이디어 자체는 파격적이지만, 그 뒤로 평범히 시상식에 참석한 주애를 보여주다 보니 충격이 그 이상으로 확장되지는 않는다. 마치 전투에서 상대 전열을 무너뜨리고도 병력을 투입해서 전과를 확대하는 대신 현상을 유지하는 꼴이나 다름없다.

희란의 폭로도 마찬가지다. 생방송에서 기습적으로 진실을 밝힌다는 전개는 다른 사회 고발 영화에 비해 독특하다고 보기 어려운, 클리셰에 가까운 전개이기 때문. 그러다 보니 말을 탄 주애가 진실을 폭로한 희란을 구하는 장면은 중요성과 함의에 비해 임팩트가 약하다. 완전히 판타지운 코미디도 아니고, 그렇다고 치밀하게 짜인 현실적인 전개도 아니다 보니 드라마의 톤이 뜨고, 가상 역사의 쾌감도 줄어드는 셈이다.

‘픽션 코미디’라는 완벽한 수식어

물론 80년대에 여배우와 여성들이 겪은 어려움이 현재에도 유효함을 보여주기 위해 톤을 조절했다고 볼 수도 있다. 결말을 장식하는 주애의 일본 방송 인터뷰도 같은 맥락에서 이해할 수 있다. 한국에서 섹시 스타로 사는 소감을 묻는 에 대한 주애는 비관적으로 답한다. 희란의 노력에도 불구하고 여전히 현실적인 제약에서 절대 벗어나 있지 않다고 암시하는 듯하다. 쾌감보다는 현실적인 씁쓸함이 먼저, 더 강하게 느껴지는 이유다.

하지만 이럴 경우, 왜 굳이 <애마>를 코미디로 만들었는지에 대한 마땅한 답을 찾기 어렵다. 굳이 코미디가 아니더라도 끝나지 않은 여성 착취를 경계하고 고발하려는 이야기는 충분히 보여줄 수 있으니까. 웃음을 자아내어 상처를 치유하려는 의도를 지니는 코미디 장르로의 전환은 오히려 장애물로 기능한다고 볼 수도 있으며, 위와 같은 의도라면 코미디보다 절제된 톤이 더 어울리기도 한다.

결과적으로 <애마>는 한국의 <원스 어폰 어폰 타임... 할리우드>나 <바빌론>이 되고 싶었지만, 필요한 만큼 과감하지 못했다. <애마부인> 제작기를 보여주는 픽션과 당대 사회상을 영화적 상상력으로 대체하는 코미디가 충분히 융화되지 못한 것. 그러다 보니 '픽션 코미디'는 아이러니하게도 <애마>를 설명하는 가장 적절한 수식어라 할 수 있다. 영화의 구조와 내용은 물론, 장르적 재미에 관한 문제점까지 모두 함축하고 있으니까.

Acceptable 그럭저럭

마지막 선을 넘지 않아서 맹숭맹숭한 가상 역사 코미디

 

거부할 수 없는 괴랄한 함정

주인공 엘리자베스 스파클(데미 무어)은 아카데미 상을 수상한 유명 여배우지만 50대에 접어들며 흘러가는 세월을 막지 못한 퇴물 배우가 된다. 생일을 맞이해 많은 이들의 축하를 받지만 거울 속 주름지고 더는 탱탱하지 못한 가슴을 보자 우울하기만 하다. 오랫동안 고정이었던 쇼에서 쫓겨나고, 자신의 얼굴이 붙어 있던 광고판이 찢겨 나가는 걸 보는 순간 사고까지 당해 최악의 생일을 맞이한다. 다행히 큰 이상은 없었지만 자신의 꼴이 처첨한 엘리자베스는 좌절감에 눈물을 터뜨린다. 그때, 한 젊은 남자 의사가 그녀의 척추를 꼼꼼히 살피더니 의미심장한 말을 남긴다. 잔뜩 지친 채 노란 코트를 입고 거리로 나온 엘리자베스는 무심코 주머니에 손을 넣다가 그가 몰래 남긴 무언가를 발견한다.

THE SUBSTANCE

iT CHANGED MY LiFE

영화는 처음부터 끝까지 강렬한 색상과 사운드를 통해 ‘욕망’을 드러낸다. 수위도 굉장히 높고, 관객이 불쾌함을 느낄 지점을 거침없이 드러내며 말 그대로 절정에 치닿는다. 등장하는 색은 크게 빨강, 파랑, 노랑으로 나뉘는데 엘리자베스뿐만 아니라 하비와 투자자들, 대중들의 욕망이 드러나는 곳인 방송국(제작사)과 광고판을 대부분 붉은 색감이다. 하비의 옷도 주황색 계열이나 붉은 옷이 많고, 엘리자베스가 서브스턴스를 찾으러 갈 때 들고 있는 가방도 붉은 색이다. 오프닝에 등장하는 노른자 같은 코트와 새빨간 가방. 그녀가 바라는 것이 무엇인지 영화는 색감을 통해 직관적으로 표현한다. 엘리자베스의 나은 버전인 ‘수’의 색은 분홍색이다. 엘리자베스와 방송국의 새빨간 욕망 비슷하지만, 비교적 덜 노골적이고 싱그러워 보인다. 마치 엘리자베스의 욕망까지 젊어진 듯 훨씬 생기 있고 당돌한 수의 모습을 잘 드러내는 색감이다.

그와 대비되는 파란색은 엘리자베스가 공허와 허망함을 느끼는 집에 많이 등장한다. 수로 살아갈 때는 따뜻한 햇빛이 들어오는 집이, 다시 원형으로 돌아오면 아주 차가운 물 속처럼 시리도록 푸르다. 당당한 수는 통창으로 들어오는 햇빛을 온몸으로 받으며 젊은 몸을 즐기는 반면 자존감도, 자신감도 떨어진 엘리자베스는 그저 지난 영광을 그리워하며 불도 채 다 켜지 않고 고독한 시간을 보낸다. 낮에는 청소하는 사람들이나 TV를 피해 화장실만큼 하얀 벽 뒤로 숨을 뿐이다.  흥미로운 지점은 수가 만족스런 숨을 뱉으며 침대로 뛰어들 때의 색도 푸른 계열인 것이다. 다만 엘리자베스의 파란색이 원색이라면, 수가 누운 침대의 파란색은 훨씬 짙어 남색에 가깝다. 이는 외로움이나 공허가 아닌 젊음과 명예에 대한 수의 강렬한 소유욕에 더 가깝다.

화장실과 서브스턴스를 받을 수 있는 공간은 거부감이 들 정도로 하얗다. 현실에서도 화장실은 매일 무언가를 만들고 없애는 공간이다. 배설물도 그렇고, 묵은 때를 씻어내며 하루를 마무리하는 곳이기도 하며 동시에 새로운 아침을 맞이하는 곳이기도 하니까. ‘무’에서 ‘유’를 창조하는 공간이자 새로운 내가 태어나는 곳엔 오로지 흰색과 검은색만이 존재한다. 마치 그 안에서 벌어지는 모든 일들이 더욱 선명하게 보여 선택에 변명의 여지가 없게 만든 공간처럼 느껴진다.

잔인한 장면만큼 불쾌감을 자아는 인물이 있다. 방송국 대표인 ‘하비’이다. 그는 <셰이프 오브 워터>에 나오는 스트릭랜드처럼 볼일을 보고 손을 닦지 않을 뿐 아니라 레스토랑에서 새우를 더럽고 게걸스럽게 먹어치우는 인물이다. 그의 입안에서 처참하게 으스러지는 새우의 살점을 보며, 엘리자베스는 불쾌함을 감추지 못한다. 어쩌면 하비가 그 자리에서 먹어 치운 것은 새우만이 아닐지도 모른다. 껍데기만 남은 채 그 앞에 쌓인 새우 머리는 엘리자베스‘들’을 연상캐한다.

수의 욕심으로 인해 둘은 완전히 균형을 잃는다. 관절이 완전히 뒤틀리고 급속도로 늙어버린 엘리자베스는 하비가 준 프랑스 요리책을 보며 난잡하게 요리한다. 칠면조 안으로 손을 욱여 넣고 내장을 뽑으며 토크쇼에 나온 수를 향해 저주와 비난을 퍼붓는 엘리자베스의 모습은 꼭 동화에 나오는 마녀같다. 기괴하게 뒤틀린 다리와 잔뜩 빠진 머리, 툭 튀어나올 정도로 굽은 등은 어딘가 익숙하다. 이전의 건강함마저 잃은 그녀는 차마 잠들어 있는 수를 헤코지하진 못하고 다른 살덩어리들을 폭행한다. 음식은 먹으면 피와 살이 되어 육신을 이룬다. 엘리자베스는 그런 몸을 거부하듯 폭력적으로 요리하며 집을 엉망으로 만든다.

결국, 괴물처럼 변한 엘리자베스는 서브스턴스 종료를 선택한다. 그러나 수가 죽을 거라는 모두의 예상과 달리, 둘은 동시에 존재할 수 있게 된다. 젊고 건강한 몸의 수는 엘리자베스를 무참하게 죽이고 새해 전야 쇼에 나가기 위해 급하게 준비한다. 그녀를 위해 준비된 파란 드레스는 신데렐라의 드레스와 흡사하다. 원형인 엘리자베스가 죽자, 수의 시간도 얼마 남지 않았다는 듯 치아와 손톱이 빠지고 귀가 떨어지며 천천히 몸이 해체된다. 호박 마차도, 요정 대모도 없는 수에게 유일하게 남은 건 1회 사용 후 폐기해야 했던 서브스턴스 약물 뿐이다. 악착같이 달려 화장실로 뛰어간 수는 남은 서브스턴스를 주입하며 ‘더 나은 나’를 태어나게 한다.

유리병에 담긴 매혹적인 초록색 약물. 먹으면 죽는 독사과처럼 위험한 걸 알면서도 자꾸 원하게 되는 이 약물은 지독한 함정이다. 1회 사용 후 폐기하기에는 너무 많이 남는 양,‘REMEMBER YOU ARE ONE’이라고 계속 강조하면서 막상 종료했더니 완전히 둘로 나뉘어지는 것, 그리고 결코 그만둘 수 없다는 것이 증거이다.

괴물이 된 수와 엘리자베스는 푸른 드레스를 입고 모두가 고대한 새해 전야 쇼장으로 향한다. 그토록 원했던 환호와 스포트라이트를 받으며 무대 위에 선 ‘몬스터 엘리자베스 수’는 자신의 젊은 몸과 섹스 어필을 원했던 관객들을 위해 엉뚱한 곳에서 가슴을 뱉는다. 그리고 팔이 뜯어지자 터진 피 분수를 모두에게 선사한다. 거리로 나온 몬스터 엘리자베스 수의 몸은 천천히 무너지고 뜯어진다. 잔뜩 뒤틀린 등에 힘겹게 붙어 있던 엘리자베스는 자신의 지난 영광의 자리로 힘겹게 기어가 쏟아지는 별을 감상한다. 그 주변으로 영화 내내 인서트 컷으로 등장했던 야자수가 보인다. 마치 네가 여기로 돌아올 걸 다 알고 있었다는 듯이.

* 스포일러가 많습니다.

넷플릭스보다 왓챠를 더 많이 보고 있다. 간이 콩알만 한 탓에 제목은 알면서도 차마 보지 못한 넷플릭스 오리지널이 수두룩하다. 궁금하긴 하지만 아직까지는 호기심이 쫄보를 이기지 못했다. 그런 와중에 알게 된 게 <반쪽의 이야기>. 플라톤의 향연을 인용하면서 시작된 영화에서, 약간은 낮고 덤덤하게 나오는 주인공 엘리의 목소리가 좋았다. 다른 톤의 목소리였다면 처음부터 이렇게 와 닿지 않았을지도 모르겠다. 사실 큰 틀에서는 익히 봤던 전개다. 좋아하는 사람에게 전한 편지를 대필해 주는 것도, 마음을 얻기 위해 좋아하는 것들을 샅샅이 파헤치는 것도, 그러다 이상하게 정드는 것도. 아, 엘리가 애스터를 좋아하는 건 반전이 아니다. 처음부터 애스터를 바라보는 눈빛이 예사롭지 않다.

하지만 엘리의 목소리처럼 묘하게 다른 이야기가 있다. 목소리만큼이나 덤덤하고 시니컬한 엘리가 과제 대행 '거래'를 하는 점. 분량마다 금액도 정해져 있고, 과제 성적도 꽤 좋게 받을 수 있다. 돈독 올랐다고 하면 서럽다. 용돈벌이를 하는 게 아니라 전기 요금 등 생활비를 벌고 있다. 엘리를 있는 듯 없는 듯한 존재로 여기면서도 과제 대행을 자연스럽게 맡기는 동급생들. 대부분은 무관심하고, 일부는 기차소리와 엘리 추라는 이름을 섞어 '처기처기 추추'라면서 기차소리로 놀려댄다. 플라톤의 사랑이란 주제로 대행 과제를 포함해 총 6개 과제를 내고도 누구에게도 알리지 않는 선생님. 엔지니어링 박사학위 등 전문성을 갖추고도 영어실력이 부족해 커리어의 시작인 줄 알았던 스쿼헤이미쉬에 주저앉은 아버지. 유쾌하고 재밌는 성격이었을 것 같은 사진만 남기고 일찍 세상을 뜬 어머니. 스쿼헤이미쉬 반은 갖고 있다는 지역 유지의 아들 트리그에게서 보이는 여유와 자신감, 트리그에게 열광하고 동경하는 수많은 학생들. 평생 이곳을 떠난 적 없는 사람들. 사람이 사는 곳엔 늘 문제와 상황이 난무하지만, 겉으로 평화로워 보인다고 해서 괜찮은 상태는 아니다.

누가 그랬나. 삼각형은 완전하고, 삼각관계도 완전하다. 엘리와 폴 모두 애스터를 좋아한다. 엘리는 교회를 가지도 않는데도 4년간 교회에서 피아노 반주를 했다. 애스터 아버지가 목사인 교회에서 과제 대행으로 바쁜 엘리가 황금 같은 주말을 두고 반주를 한다면? 별다른 설명은 없지만 애스터 때문일 거라는데 손모가지도 걸 수 있다. 매주 만났을 텐데도 애스터와는 별다른 친분이 없다. 우연히 마주쳐서 한 첫마디가 '난 엘리 추야' 하는 자기소개인 걸 보니 알만하다. 이름은 알지만 가까워지지 못했다. 엘리와 애스터 중 누구 하나 서로에게 다가가지 않았다. 폴의 이름 뒤에서 편지로, 고스트 메신저로 애스터를 만나게 된 후로 엘리는 정말 이해받는 기분이 무엇인지 알게 된다. 둘이 그렇게 잘 맞을 수가 없다. 추상화와 문학을 좋아하는 것도, 제법 진지한 고민을 털어놓는 것도.

눈빛 교환만 의미심장

왜 엘리와 애스터는 진작에 가까워지지 않았을까? 애스터가 학교의 "그 트리그가 좋아하는 예쁜 애"고, 엘리는 "과제 대행하는 중국애"라서? 트리그와 트리그 팬클럽에는 끌려다니면서 마음 맞는 아싸 친구와는 다닐 수가 없어서? 애스터를 좋아하지만 애스터는 엘리 같은 애는 모를 테니 멀리서 지켜보는 게 나아서? 학교에서의 이미지와 인간관계가 아니라면 종교 때문일까. 목사인 아버지가 엘리는 종교가 없어서 친하게 지냈다면 혹시 말리셨을까.

영화에서 나를 무너뜨린 대사는 이해받는 기분이 어떤 건지 아냐(You know what it's like to finally meet someone in your age who gets you?)는 엘리의 말 때문이었다. 세상에 누군가 나를 완전히 이해하는 것도 어려운데, 내 또래고 내 근처에 있고, 심지어 내가 좋아하는 사람이라니. 그 순간만큼은 눈물 날 정도로 부러웠다. 마음을 건드리는 것들은 늘 내게 모자라거나 비어 있는 것들이다. 대사를 듣기 전까지는 아무 생각 없었는데 놀라울 정도였다. 어쩌면 평생 이해받지 못할 것 같다는 생각이 스쳐 지나가서, 그래도 엘리 너는 행복하면 됐다 싶다가도, 그 대상이 끝내 나는 아닐 것 같은 생각이 들어버려서였을 것이다. 누구보다 반쪽에 진심이었던 건 아니었나 싶게.

4년 만에 처음 대화인 건지

하지만 그런 엘리와 애스터 사이에도 장벽은 있다. 애스터가 "상황이 다르고, 내가 달랐다면.."이라고 말하는 그 이유 때문이다. 엘리가 폴인 척하고 애스터와 연락을 했던 건 애스터에겐 분명 당황스럽고 배신감이 들었을 수도 있다. 하지만 영화를 보는 우리도 별로 화가 안 나는 게, 폴과 엘리의 결이 너무나 달라서 짐작을 못했을 리 없는 정도다. 글로는 멋진 말을 던질 줄 알고 관심사도 똑같은 사람이, 만나면 긴장했다고 얼어붙어서 대화가 몇 단어 이어지지도 않는 건 의심할 여지가 없다. 글은 거친 생각과 불안한 눈빛이고, 말은 침묵이 반이지만 어딘가 든든한 느낌이었던 것도.

애스터에게 약간은 실망했다면 미술 전공을 선택한 것 이외에 주체적인 결정을 내린 적이 많지 않다는 점이다. 엘리 말대로 상황이 다르고, 내가 다를 일은 없다. 엘리가 트리그의 프로포즈에 안돼!라고 소리치지 않았다면 애스터는 못 이기는 척 트리그와 결혼했을 것이다. 엘리를 엘리라고 불러주지 않고, 농담이긴 하지만 heathen (이교도= 비종교인)이라고 불렀다. 엘리는 저 멀리 아이오와로 떠나갈 예정인데도. 다만 그녀가 보여준 대담한 선택은 자신이 가장 좋아하는 노천온천에 데려간 점. 그곳에서 야말로 가장 자연스럽고 적극적이고, 자신도 얼마나 이해받는 기분이었는지 표현했다. 그렇게 이해받는 느낌을 주는 사이더라도, 완전히 이해받는 건 또 다른 문제다. 완전히 이해받는 건 완전한 반쪽을 찾는 것과 다름없는 일이니 무너질 필요는 없다. 이해받았던 순간과 그때의 마음만 잘 간직하더라도, 그 순간을 되감아 보는 것만으로도 버틸 만하다. 엘리가 대학 가서 보자고 하지 않나. 이 둘 사이는 두고 볼 만하다.

요즘도 편지 쓴다

엘리는 폴에게 여러 번 놀라곤 한다. 고민이 많은 엘리에 비해 폴은 그 고민을 말도 안 되게 쉽게 풀어버린다. 말도 나눠보지 않은 애스터를 '사랑'한다고 확신하고선 엘리에겐 사랑에 빠져 본 적 없는 것 같다며 정곡을 찌른다. 엘리가 뒤통수에서 따갑게 듣던 '처기처기 추추' 놀리는 소리에 맞서 소리쳐 준다, 사랑하는 건 노력하는 게 아니냐는 명언도 남기고, 사랑의 방식이 다양하다는 것도 겸허히 받아들인다..

영화를 보면 폴이 점점 매력적으로 느껴진다. 단순하고 말 주변 없는 빙구라 생각하면 오산. 뭣도 모르고 짓는 미소도 약간 어설프게 뛰는 달리기 폼도 귀엽다. 이거 참 큰일이다. 귀여워 보이면 답이 없는데. 무엇보다 폴은 기회를 놓치지 않고, 시도를 두려워하지 않는다. 애스터랑 말 한 번 해보지 못했지만 편지를 써보자. 누가 요즘 편지를 쓰냐고? 로맨틱하잖아. 말을 잘 못하니 엘리에게 도움이 필요하다고 찾아도 가고. 폴이 처음에 애스터에게 보내려던 편지를 살펴보자. 애스터 너는 똑똑하고, 착하고, 예뻐. 그중 2개만 해당되어도 너를 좋아했을 거란다. 우습게 들릴 수도 있다. 근데 정말 그럴까? 사실 저 조건이 맞추기 더 힘든 게 필요한 건 어지간히 다 들어있다. 실제로 호감을 갖는데 저보다 더 남다른 이유가 넘쳐날까? 단순 무식하다고 생각할 수도 있지만 그게 답일 수도 있다. 폴이 글 솜씨나 말솜씨가 투박하게 느껴질 수도 있지만 생각이 얕다고 느껴지진 않았다. 말은 잘 못해도 타이밍은 놓치지 않는 걸 보면 알 수 있다. 애스터에게 타이밍 좋게 고백도 하고 손도 잡고 키스도 하고. 할 건 다 한다. 애스터가 폴과 함께 있으면 안전한 느낌이 든다는 건, 그런 든든함일 것이다. 실패할까 고민하는 게 아니라, 어떻게 되게 할지를 고민하니까.

폴에게 유일하게 뜨악한 건 풋볼 경기에서 득점한 후에 엘리에게 키스를 하려던 때였다. 갑자기 생뚱맞게 느껴질 수도 있었겠지만 예상하지 못했던 건 아니다. 어머니는 늘 말씀하셨다. 꼭 저러다가 정든다고. 누구 이어주려고 도와주다가 둘이 좋아진다고. 저번 주까지 폴이 애스터랑 사귀게 됐다고 들떠하면서 키스하던 사이인 걸 떠올리면 '저놈이!' 하고 등짝을 때리고 싶은 건 사실이다. 엘리가 키스를 받아들였어도 참으로 이상한 상황이 되어버렸을 것이다. 바로 뒤에 애스터가 나타나 버렸으니까. 조금만 잘못 나갔으면 장르가 치정물이 될 뻔한 순간. 폴을 지켜보다 보니 마음이 넘쳐서 키스로 확인하고 싶은 건 알겠는데, 그래도 먼저 하려던 말을 했어야 한다고 본다. 무슨 말을 하려고 했는지는 좀 궁금하다. 아쉬운 부분이다. 영화의 묘미가 대화에 많이 있었기 때문에 폴이 애스터에게 했던 고백과 어떻게 달랐을까는 상상에 맡기게 되었다.

타코 소시지, 그 맛이 궁금하다

폴이 왜 엘리를 좋아하게 되었는지는 분명하다. 엘리는 폴을 성장하게 해 준 사람이다. 엘리는 폴이 누군가를 좋아하는 저 세 가지 조건(똑똑하고, 착하고, 예뻐) 중 두 가지 이상 혹은 전부를 충족한다. 폴이 혼자서는 하지 못했던 일을 가능하게 해주었다. 애스터에게 다가갈 수 있도록 물심양면으로 도와줬다. 비록 시작은 편지 한 통에 50달러인 비즈니스였지만, 엘리가 각종 분야 선생님처럼 트레이닝해 주는 걸 보면 열정 페이라는 건 본인도 알고 있을 터. 타코 소시지를 응원하고 유명해질 수 있도록 음식 비평가에게 몰래 편지도 보내주었다. 맛있는 거 더하기 맛있는 거는 그냥 맛있는 거라며 영화 내내 밀어붙이던 타코 소시지. 그쯤 되니까 한 번 먹어보고 싶더라.

대화가 핑퐁 같다고 핑퐁 치면서 대화한다

그뿐인가. 엘리는 대화를 이어가는 법을 알려주고, 포기하고 싶거나 멍청하다고 느껴질 때 진심으로 응원했다. 15년 만에 풋볼 팀이 득점할 수 있는 기회를 놓치지 않게 해 준 것도 엘리다. 애스터를 좋아하지 않은 건 아니겠지만, 엘리와 있을 때 자연스러워 보였던 것도 사실이고. 엘리에게 마음이 움직이는 순간을 짚어보라면, 엘리를 궁금해하기 시작했을 때다. 애스터를 더 잘 알기 위해 잠입 수사를 하던 중 엘리에게 배고프지 않냐고 물어본 차 안. 엘리 아버지와 어머니 이야기를 물어보기 시작했을 때. 마음을 확실하게 알게 된 건 엘리의 기타 소리를 길 건너편에서 들었을 때 보이던 그 표정부터였다. 피아노 조율을 망쳐서 졸업생 공연을 망칠 뻔한 엘리에게 네 곡을 연주하라며 도와주었을 때도, 뒤풀이에 가서 술에 취한 엘리를 챙기며 자신의 집에 데려왔을 때도. 애스터를 좋아하는 걸 알고 무너졌을 때도. 있는 그대로의 엘리를 응원하며 기차역에서 헤어지던 때에도. 엘리로 인해 폴의 눈빛은 참 많이도 변했다. 이렇게 한 사람에게 많은 눈빛이 있었나 싶을 정도로.

영화 속에 간단히 나온 '닫힌 방' 이야기를 떠올려 보면 엘리의 아버지, 엘리, 폴, 애스터, 모두 각자 닫힌 방에 있었다. 엘리의 아버지는 과거에 갇혀 있었다. 항상 모든 영화에는 최고의 순간이 있다던 아내를 떠올리면서 그 장면을 보았고, 엔지니어로서 시작점이 되었어야 할 스쿼헤이미쉬에선 기차역에서 기계조차 사용하지 않고 있었다. 엘리는 스쿼헤이미쉬에 주저앉은 아버지가 마음에 걸려 떠나지도 못하고, 돈을 벌기 위해 원하지도 않는 과제를 했고, 원하지도 않는 대학에 장학금을 받고 가려고 했다. 폴은 스스로 말했듯 소시지 레시피를 바꾸고 싶지만, 넷째 아들이라 운영할 순서도 아니고, 집안 대대로 내려오는 레시피를 바꾸면 할머니, 어머니의 마음을 상하게 할까 표현하지 못했다. 애스터는 트리그와 결혼하고 싶어 하지 않았는데도, 자신의 아버지가 트리그네 집과 결혼 이야기를 하는 걸 보고 결혼하게 된다 해도 받아들일 모양새였다. 이들이 있는 스쿼헤이미쉬는 닫힌 방의 온상이다.

하지만 도로의 표지판에 쓰여있었던 것처럼, 뭔가가 스쿼헤이미쉬에 일어나고 있다. 모두들 조금씩 달라졌다. 엘리는 그리넬 대학으로 가는 길에 질색팔색하던 파인애플, 부엉이, 안경 쓴 애벌레 이모지를 쓸 수 있게 됐고, 폴은 음식 비평가들에게 좋은 평을 받고 자신만의 소시지 연구에 한창이다. 애스터는 포트폴리오를 준비해서 미술을 공부할 예정이다. 엘리의 아버지는 자신을 걱정해서 떠나지 못하는 딸을 대신해 그리넬 대학에 원서를 넣고, 가는 길에 든든히 먹으라고 만두도 빚어 넣었다. 이제는 멀끔하게 차려입고 기차역에서 쓰지 않던 기계를 작동하고 있다. 닫힌 방과 열린 문은 한 끗 차이다.

엘리와 폴이 영화를 본 어느 날, 엘리는 떠나는 기차를 쫓아오는 사람을 멍청이라고 말했다. 멍청하다고. 기차를 앞지르는 사람은 없다고. 그런 장면은 진부하다고. 하지만 그래서 바로 그 말을 듣는 순간, 그녀에게 똑같은 일이 일어날 거란 생각이 들었다. 멍청한 건 맞지만, 겪어보면 멍청하다고 나쁜 것만은 아니지. 엘리와 폴이 보던 영화에서는 모두 슬프게 울고 마는 이별이었지만 엘리의 이별은 슬프지 않았다. 엘리의 눈물은 슬프지 않았고 아버지, 애스터, 폴 역시 울지 않았다.

어느 순간에 우리는 외로워하며, 사랑받지 못하고, 이해받지 못할 것이다. 놀랄 것도 없다. 외로움이 중력에 대한 물질의 반응이라면, 외로움은 이 지구 상에 살아있는 모든 사람들 역시 존재한다는 걸 입증할 뿐이다. 누군가를 완전히 이해하고 그 자체로 사랑하는 건 인류 역사를 관통한 영원한 숙제이니 엄두도 나지 않는다. 하지만 중요한 건 이게 아니겠나. 안될 수 있다는 걸 알면서도 기꺼이 몸소 멍청이가 되는 것. 망칠 수 있다는 걸 알면서도 괜찮은 그림에 대범한 선을 그려 넣는 것. 언제든지 상처 받을 수 있다는 걸, 나도 당신도 완벽하지 않을 수 있다는 걸 알면서도, 가까이 다가가고 있는 힘껏 노력하는 것. 그것만으로도 이미 우리의 반쪽은 채워질 조짐이 보인다. 길을 잃고 헤매는 것이 아쉽지 않을 만큼.

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11:44 쉬헐크
12:27 NordVPN
14:20 디즈니플러스의 의미

"마블쟁이는 산돌구름에게 폰트를 지원 받았습니다"
2020. 11. 28 영상입니다.
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영화직관하는 남자 영직남의 “캐시트럭” 후기입니다.

쿠키영상은 없어요~

회사에서 해고 당해 의기소침해진 세 친구 ‘파코’, ‘라몬’, ‘안드라데’는 계획을 실행하기 위해 파코의 집에 모인다. 
 하지만 함께 타고 가려던 안드라데의 차가 고장나서 발이 묶인 상황. 
 견인 차를 부르고 기다리는 동안 그들은 대화를 시작한다. 
 안드라데는 그날 아침 식사하러 들른 식당에서 30년 전 자기를 버리고 떠났던 엄마를 만났고, 
 파코는 2주 전부터 의심해 왔던 아내의 불륜 상대를 알게 된다. 
 한편 가장 평정심을 유지하는 것처럼 보였던 라몬은 생각지도 못했던 큰 비밀을 실토하게 되는데…!