<5시부터 7시까지 클레오>는 누벨바그를 대표하는 여성 감독 아녜스 바르다의 초기 연출작으로, 여성해방운동이 거세게 일었던 2차 페미니즘 물결을 통과하는 시기에 만들어졌다. 바르다는 ‘클레오’를 표현하는 과정을 통해서 한 여성의 정체성 찾기에 골몰했다. 영화는 젊고 아름다운, 나름 가수로서도 성공한 여성인 ‘클레오’가 암 진단 결과를 기다리는 동안 세상과 삶을 바라보는 관점의 변화와 더불어 그의 내면의 변화를 보여준다. 로라 멀비가 대부분의 서사 영화 구조 속에서 여성은 수동적인 볼거리로서의 기능만을 한다고 지적한 바와 달리, 영화는 젊은 여성 주인공 클레오의 ‘시선’을 섬세하게 따라가면서 그녀의 삶과 주체성에 이야기의 초점을 맞춘다.

1. 보여지는 대상으로서의 클레오

 <5시부터 7시까지 클레오>는 제목 그대로 오후 5시에서 오후 7시 사이, 90여 분에 걸친 클레오(코린 마르샹, Corinne Marchand)의 시공간 이동과 대도시 산책을 13개의 장별 구성으로 펼쳐낸다. 이 과정을 통한 내러티브의 방향성은 대상으로서 정체성에 몰입했던 클레오가 주체로 변이생성 해나가는 탈주의 과정이기도 하다. 클레오의 시공간 이동은 자신이 암에 걸려 죽을지도 모른다는 불안감으로부터 도피하고픈 욕구로부터 발생된다. 젊고 아름다운 스타 가수란 정체성을 즐기며 화려한 삶을 누리던 클레오에게 불현듯 다가온 ‘죽음(암)’에 대한 공포는 존재론적 고뇌를 촉발하는 극적 동기로 작용한다.

영화의 첫 장면에서 나타나는 주요 응시 대상은 클레오가 뽑는 9장의 타로 카드들이다. 각각 ‘클레오’라는 인물의 과거-현재-미래를 나타내는 이 카드들은 그의 모습이 등장하기도 전에 관객들에게 클레오에 대한 정보를 제공하며, 마치 예언처럼 앞으로 일어날 사건들을 암시하는 기능을 한다. 그중에서도 특히 미래를 상징하는 카드들은 그에게 암에 걸려 죽을지도 모른다는 불안감을 유발하는 동기로 작용한다. 이때 등장하는 해골카드를 클레오가 보고 절망에 빠지자 점술가는 이 카드가 꼭 죽음만을 의미하는 것은 아니며 새로운 탄생을 의미하기도 한다고 말하는데, 이를 대상으로서만 살아가던 클레오가 주체로서 변화하는 것을 의미하는 기호로 해석할 수 있을 것이다.

  죽음을 암시하는 불길한 점괘를 안고 점집을 나선 클레오는 건물 출구에 걸린 커다란 거울에 자신의 모습을 비춰 보면서, ‘추함이야말로 죽음을 의미하며, 아름다움을 유지하는 한 나는 살아있다’는 자기주술성 위로로 아름다운 여성이라는 자신의 정체성을 확인한다. 그러나 양 벽면에 걸린 거울이 서로를 비추면서 무한대로 분열되는 그의 이미지들은, 죽음에 대한 공포로 인해 얻게 되는 존재론적 고뇌가 현재의 정체성을 뒤흔들어 놓을 것임을 암시한다.

 거리로 나선 클레오는 모든 이들의 시선의 대상이 된다. 자신에게 꽂히는 그러한 타인들의 시선을 클레오는 너무나 당연하게 받아들인다. 그가 카페에 도착했을 때, 매니저 앙젤르는 ‘아파 보이냐’는 그의 질문에 ‘아름답다’는 답변을 할 뿐이다. 이때 클레오는 또다시 뒤돌아 거울을 바라본다. 앙젤르는 죽음에 대한 공포로 눈물을 흘리는 클레오를 보며, 그의 절망이 단지 ‘호들갑’에 지나지 않는다고 판단한다. 앙젤르가 볼 때 클레오는 미성숙한 자아를 가진 ‘어린아이’로, 자신의 보살핌이 필요한 대상이다. 존 버거가 말한 것과 같이, 클레오는 앙젤르로 대표되고 있는 남성중심적 사회의 규율과 질서의 통제를 받는 인물인 것이다. (영화 속 앙젤르는 여성이지만, 남편을 잃은 과부로서 클레오를 마치 자신의 것처럼 소유 및 통제하고자 하는 욕망을 드러내는 인물이다. 앙젤르는 남성중심적 사회의 규율과 이데올로기를 상당히 내면화한 인물로 나타난다. 이러한 그의 집착은 영화 전반부를 중심으로 잘 드러난다.)

집으로 돌아가는 중에 쇼윈도에 놓인 모자를 보고 방문한 모자 가게에서도 클레오는 도처에 놓인 거울들에 비친 새 모자를 쓴 자신의 이미지 보기를 반복한다. 이는 자신의 아름다움을 확인하면서 죽음에 대한 불안감을 달래 보는 수단이기도 하다. 갖가지 모자를 써 보면서 스스로의 아름다운 외모에 도취하던 클레오는 결국 여름철에 맞지 않는 검은 털 모자를 구매해 쓰고 집으로 돌아가려고 하지만, 이내 ‘화요일에는 새 옷을 입으면 불운이 생긴다’는 미신을 믿는 앙젤르에 의해 제지당한다. 연이어 가부장적 운명론에 집착하는 앙젤르에 의해 두 사람은 운수 없는 차 번호를 피해, 드물게 존재하는 여성 기사의 택시에 탑승하게 된다. 그러나 택시에 탑승함으로써 거리의 수많은 시선으로부터 벗어난 것 같아 보였던 클레오는 차량 속에서도 여전히 수많은 시선들의 대상이 된다. 이동 중에도 차창 밖의 행인들의 시선과 옆 차선 차량을 운전하는 남성들의 희롱을 겪은 클레오는 심지어는 창밖으로 마주한 아프리카의 원시적인 가면으로부터도 자신을 관찰하는 시선을 느낀다. 그리고 이때 그는 문득 거북함을 호소한다. 한편, 남성 지배적인 택시 업계에서 여성으로서 위축되지 않고 오히려 밤거리도 두렵지 않다며 용감한 투쟁담을 들려주는 이 여성 택시기사와의 동행에서 클레오는 여성의 직업에 대한 일종의 성정치학적 대화를 나누기도 한다. 이 에피소드 또한 이후 펼쳐질 클레오의 전복적인 산책 여정을 예고해 주는 내러티브 기호로 작동한다고 볼 수 있을 것이다.

  택시를 타고 귀가를 한 클레오는 애인과의 만남을 준비하며 가슴이 답답해지는 증상을 느끼면서도 신체 가꾸기를 위한 스트레칭을 한다. 속옷 차림으로 스트레칭을 하는 그에게 앙젤르는 길고 화려한 털로 꾸며진 아름다운 실내가운을 입힌다. 스트레칭을 마친 클레오는 이내 침대에 앉아 머리를 매만지고 거울을 들여다본다. 이러한 그의 행위는 ‘아름답기에 사랑받는 여자’라는 관습적 내면화를 보여주는 반복적인 신체 움직임으로, 닫힌 틀에 갇힌 자아 대상화에 불과하다. 연이은 장면에서는 ‘남자는 아픈 여자를 싫어하니까 아프다는 내색을 하지 말라’는 앙젤르의 충고가 클레오에게 전해진다. 가장 편안하고 안전하게 느껴야 할 공간인 집/침실에서마저 그는 끊임없이 누군가를 위해 꾸밈노동을 해야 하는, 보여지는 대상으로서의 삶을 살고 있음이 계속해서 영화에서 드러나고 있는 것이다. 이렇듯 스타 가수이자 부유한 애인을 가진 클레오의 일상을 지배하는 행위는 거울 속 자신의 아름다운 모습을 확인하는 일이다. 영화 속에서 거울은 가부장적 조직과 규제 속에서 훈련된 클레오의 행위가 정체성으로 재현되는 공간이라고 할 수 있다. 존 버거가 말한 바와 같이, 클레오의 자아는 감시자로서의 자아와 감시당하는 자아라는 두 개의 항으로 찢어져 거울 보기의 행위를 반복하면서 타인에게 보여지는 대상으로서의 정체성을 구성한다. 

다음 장인 5장에서, 클레오는 사업 일로 바쁘기에 잠시 들렸다 가는 연인과 의례적인 만남을 갖는다. 연인에게 영화 ＜돈주앙＞을 보러 나가는 데이트를 조르기도 하지만, 그는 ‘나의 여신 클레오파트라’, ‘나의 보석’이란 찬사를 클레오에게 퍼붓고 곧 떠날 뿐이며, 아프다는 클레오의 말에 ‘고운 몸에 병이 나서는 안된다’고 말하면서 그녀의 고통을 ‘괜한 걱정’ 따위로 치부해 버린다. 이후 노래 연습을 위해 방문한 두 친구 역시 클레오의 병을 별 것 아닌 것으로 여기고 우스꽝스러운 장난을 치면서 클레오 갈등을 빚는다.

  이후 이어지는 시퀀스에서 클레오가 ＜당신 없이(Sans Toi)>라는 노래를 부르는 장면에서, “당신 없이는 나는 빈 껍질이에요”라는 가사를 통해 타인의 시선 없이는 존재하지 못하는 대상으로서의 정체성을 가진 클레오를 떠올릴 수 있다. 이렇듯 애인의 태도와 자신을 대하는 주변 사람들의 태도에 클레오가 절망적인 피로감을 느끼게 되면서, 아름다움만이 자신의 가치이고, 남성으로부터 사랑받는 여성이므로 자신은 행복하다고 믿었던 그녀의 정체성에 균열의 조짐이 드러나기 시작한다.

   아름다운 대상으로서의 정체성을 유지하는 강박적 욕망으로부터 탈주 충동을 느낀 클레오는 이제 지금껏 스스로를 옥죄어왔던 가발과 온갖 치장을 벗어던진다. 화려하게 장식된 흰 실내가운을 벗어던지고 가벼운 검은 원피스로 갈아입은 그는 앙젤르의 경고를 무시하고서, 계절에 어울리지 않는 검은 털모자를 쓴 채 홀로 집을 나선다.

2. 보는 주체로서의 플로랑스

다시 거리로 나선 클레오는 여전히 도시 사람들의 시선이 가닿는 대상이다. 하지만 이때 클레오가 스스로를 바라보는 시선에서는 변화가 포착된다. 홀로 거리에 나선 클레오는 중국음식점 외부에 걸린 거울 앞에 서는데, 전반부와 대비되는 태도와 독백으로 자신의 이미지 투영에 직면한다. 

“표정 없는 얼굴, 바보 같은 모자…”

 그의 독백은 처음부터 이 순간까지 반복되어온 아름다움에 고착된 대상화된 정체성을 전복시키기 시작한다. 이런 전복은 보여지는 대상에서 세상과 자신을 보는 주체로 생성하기 시작하는 산책 여정으로 급진전된다. 

이제 그는 ‘스타가수 클레오’가 아닌 수많은 사람들이 모이는 파리라는 도시의 군중 중 하나, 즉 ‘익명의 존재’로서 도시 이곳저곳을 구경하기 시작한다. 클레오는 산 채로 개구리를 삼키는 신기하지만 끔찍스러운 마술쇼를 구경하기도 하고, 사람이 붐비는 카페에서 주변 사람들의 대화를 엿듣고 그들을 관찰하기도 하면서, 익명의 군중 속에서 신체의 충동을 따라가며 산책하는 ‘탐사자’로 변화해나간다. 

이전까지는 마치 그의 모습을 관음 하듯이 촬영했던 카메라의 시점은 이제 여성이자 주체인 클레오의 시선으로 바뀌어 촬영된다. 그는 여전히 시선의 대상이지만, 동시에 동등한 인격체로서 다른 이들을 관찰하는(따라서 때로는 시선이 부딪히며 눈을 마주치기도 하는) 주체이기도 하다.

다음으로 클레오는 오랜만에 친구를 만나기 위해 조각 작업실로 향한다. 이곳에서도 클레오는 작업을 하는 조각가들과 조각품들 사이를 자유롭게 돌아다니며 관찰을 멈추지 않는다. 친구는 조각실에서 누드 모델 일을 하는 중인데, 지금까지 줄곧 대상으로서의 정체성을 가져왔던 클레오가 이제는 ‘보는’ 입장에서 누드 모델, 즉 대상으로 서 있는 친구를 관찰하는 장면은 아이러니하다. 일을 마치고 클레르는 친구와 같이 거리를 걸으며 신체와 일상, 그리고 자신이 직면한 병과 죽음, 불안에 관한 대화를 나눈다. 

 이 과정에서 친구는 누드모델 일은 부끄러운 것이 아니라 휴면상태와 같으며, 조각가들은 그저 형태와 아이디어로 자신의 신체를 보는 것이라면서 자신의 신체 주체성을 토로한다. 여성의 신체를 대하는 가부장적 통념과 시선을 전복시키는 이런 경험은 점술가의 예언이나 앙젤르의 충고와 같은 운명적 틀에 갇혀있던 클레오에게 주체-되기의 계기로 다가온다.

친구가 헤어진 후, 뚜렷한 목적지 없이 거리를 방황하던 클레오는 홀로 몽수리 공원에 들어선다. 보는 이 없는 한적한 공원을 산책하는 클레오는 휘파람을 불면서 자신의 신체와 세상의 관계를 즉흥적으로 노래한다.

아름답고 변덕스런 나의 몸/ 새파란 나의 눈은/ 한번 보면 빠져들어/ 나의 매혹적인 모습은/ 포기할 수도 저항할 수도 없는 유혹/ 모두들 궁금해하지 내 매력과 미소를

     이렇게 터져 나오는 노랫말은 보여지는 대상에서 자신의 신체를 관찰하며 걷고 보는 주체가 되어 스스로 연출해 내는 즉흥극이기도 하다. 여기서 스스로의 신체를 관찰하는 클레오의 자아는 존 버거가 이야기한 여성의 분리된 두 자아 중 감시하는 자아, 즉 남성의 시선을 내면화한 것과는 다르다. 클레오의 이러한 자기 응시는 타인에게 어떻게 보이느냐를 여부에 두었다기보다는, 능동적이고 주체적인 인간으로서 자신을 발견해나가는 과정에 가깝다. 또한 이렇듯 능동적으로 세상을 관찰하는 탐색자의 역할을 수행해나가는 클레오를 통해, 영화는 ‘보는’ 행위의 쾌락이 능동적인/남성과 수동적인/여성으로 쪼개진다고 본 로라 멀비의 이론이 다소 이분법적인 구분이라는 한계를 가지고 있음을 보여준다.

 <5시부터 7시까지 클레오>는 대상이었던 여성이 한 주체로서 능동적으로 자신의 세계를 확장해 나가는 과정을 관객들에게 보여주며 일종의 ‘여성적 시선’을 제시한다. 이러한 영화 속에서 관객들은 주체로서의 남성이나 객체로서의 여성보다는 주체되기를 선택한 여성의 시선에 몰입하는 경험을 하게 된다.

  자연의 소리와 풍경을 만끽하며 홀로 걷고 있던 클레오에게 ‘앙투완’이라는 남자가 그녀를 ‘여름날 여신(Flora)’이라고 칭송하며 다가와 말을 걸기 시작한다. 환대 없는 어색한 상태에서 시작된 둘의 관계는 이내 죽음에 대한 불안감 공유로 소통이 가능해진다. 클레오는 암을 진단받을지도 모르는 불안을, 앙투완은 알제리전 참전 중 나오게 된 휴가의 마지막 날, 전쟁 중 닥쳐올지 모를 죽음에 관한 두려움을 토로한다. 내면의 고통을 드러내며 소통하게 된 타자와의 만남은 클레오에게 잊었던 기억의 ‘체현’, 즉 잠재된 주체성의 발현을 촉발하는 동기로 작동한다. 

  클레오는 ‘클레오파트라’에서 따온 스타 가수로서의 가명 대신 자신의 본명 ‘플로랑스Florence’(플로랑스는 꽃의 신 ‘플로라Flora’로부터 유래한 이름으로, 꽃처럼 피어나는 생명력을 상징한다.)를 기억해 낸다. 거울 틀 속에 갇혀 보여지는 대상에 머물던 클레오가 플로랑스라는 주체가 되어가는 과정은 그들을 바라보는 관객, 혹은 거리 군중의 시선에 조응한다. 동전의 양면처럼 삶과 죽음이 공존하듯이 일상과 전쟁, 개인적 삶과 사회적 정치의 공존은 ‘클레오→플로랑스’라는 변화, 즉 보여지는 대상에서 보는 주체로의 변이생성을 충동하는 ‘산책의 변증법’(산책하는 한 존재가 거리에서 군중과 만나며 변화하는 모습을 벤야민은 ‘산책의 변증법’으로 설명해낸다.)을 드러내준다. 잃어버린 이름을 되찾은 플로랑스는 가부장적 운명론으로부터 벗어나 죽음의 그림자를 걷어내고, 처음으로 자신만의 행복에 대해 이야기하기 시작한다.

3. 경계 밖을 사유하는 산책의 여정

  아름다운 스타 가수인 클레오가 익명의 군중 속에 떠도는 플로랑스로 변화해가는 과정은, 거울이라는 틀 속에 갇힌 대상에서, 그 틀을 깨고 탈주하는 주체의 회복이자 생성이라는 점에서 극적 대비를 보여준다. 이를 통해 영화는 ‘보여지는 대상’으로서 여성 이미지를 구축해온 성차별적 영화 관습에 전복적인 이미지 재현을 달성해낸다. 1961년, 여성들이 처한 삶의 영역과 조건 전체를 변화시키는 것에 목표를 두었던 제2 물결 페미니즘(1960년대 미국에서 시작되어 서구세계 전체로 퍼진 여성주의 운동으로, 제1세대 여성주의가 여성 참정권을 비롯하여 제도적 성평등에 집중한 데 비하여, 제2세대 여성주의는 섹슈얼리티, 가족, 재생산 권리, 불평등 등으로 담론 범위를 넓혔다.)이 막 태동하던 시기 세상에 나온 <5시부터 7시까지 클레오>는 사회적인 표상으로서의 여성 이미지에서 벗어나, 삶과 죽음 사이에서 존재론적 고뇌를 겪는 한 개인으로서의 여성의 이야기다. 

  그것은 ‘성녀와 창녀’ 혹은 ‘숭배와 강간’으로 상징되는 틀을 깨고 여성 주체가 생성하는 또 다른 시공간을 찾아 나선 산책의 여정이기도 하다. 이 영화가 발표된 지 약 반세기가 흐른 현재, 여전히 영화계 내에서 여성은 물신화된 욕망의 대상으로 소비되며 ‘여성으로서의 여성’은 대부분 부재하는 상황에서 이렇듯 클레오가 가지는 주체로서의 여성 이미지 서사는 젠더적 관점에서 주목해 볼 만한 쟁점을 가진다. 관습적 세상의 틀로부터 탈주하면서 현실의 변화를 사유하고 스스로 실천해 내는 클레오의 그러한 산책 여정은 현실과 공존하는 영화적 시공간의 기능을 증명해 내는 장으로 볼 수도 있을 것이다.

*참고문헌

변재란, 「아녜스 바르다, 여성의 역사, 영화의 실천」, 『순천향 인문과학논총』 제38권 2호, 순천향대학교 인문학연구소, 2019, 121-142쪽.

유지나, 「대상에서 주체로의 변이생성 연구: <5시에서 7시까지 클레오>를 중심으로」, 『씨네포럼』, Vol.0 No.34, 동국대학교 영상미디어센터, 2019, 9-30쪽.

Berger, John, 「다른 방식으로 보기」, 최민 옮김, 열화당, 2012.

Laura Mulvey, Visual and Other Pleasures, Basingstoke: Macmillan, 1989, 16p.(쇼히니 초두리, 「페미니즘 영화이론」, 노지승 옮김, 앨피, 2012, 67쪽에서 재인용.)

우리에게는 "월드컵 4강"으로 익숙한 2002년, 극장에도 하나의 시리즈가 시작했습니다.
17년 개봉한 6편 <파멸의 날>을 마지막으로 <레지던트 이블>는 "밀라 요보비치 - "폴 W.S. 앤더슨"의 커리어에 있어 대표작을 넘어 부부의 연까지 맺어준 고마운 작품입니다.
이외에도 "게임 원작의 영화는 흥행이 안된다"라는 공공연한 징크스도 깨버린 작품으로 이대로 재우기는 어려웠을 겁니다.
그도 그럴 것이 마지막 6편 <파멸의 날>의 흥행은 제작비의 7배를 벌어들이는 수익과 최고 성적까지 이대로 끝내기는 아쉬웠을 겁니다.
근데, 돈 때문에 다시 만들려고 하니 뭔가 명분이 없어 보이지 않았을까요?

물론, 명분이 없는 건 아닙니다.
"밀라 요보비치 - 폴 W.S. 앤더슨"의 <레지던트 이블>는 "앨리스"라는 오리지널 캐릭터로 게임에는 없는 이야기로 원작 팬들의 마음을 사지는 못했거든요.
이를 염두에 둔 "요하네스 로버츠 감독, <47 미터> 시리즈"의 "원작에 충실하겠다"라는 말은 걱정도 되었지만, 기대도 샀습니다.
그렇게, 먼저 북미에서 개봉한 <레지던트 이블: 라쿤시티>는 박스오피스 5위와 함께 1000만 달러 미만의 시작을 알렸고 지금은 속편 이야기는 나오지도 않고 있습니다.
이에 있어 전문가 26%와 관객 52%의 평가도 있겠지만, 이보다는 제 두 눈으로 보는 게 확실하고 빠르겠죠?
'과연, <레지던트 이블: 라쿤시티>는 어떤 작품이었는지?' - 감상을 한 번 정리해 보겠습니다.

모기업 "엠브렐러"의 지원하에 번영했던 "라쿤시티".
지금은 기업의 철수로 폐허로 변했고, 그곳을 향해 "클레어"는 향하고 있습니다.
그렇게, 비 오는 거리를 달리는 차량은 갑자기 튀어나온 사람을 받아치지만 시체는 어디론가 사라지고 말았습니다.
이런 의문도 잠시, 도시에 이상한 일들이 연속적으로 발생하며 살기 위해서라도 발길을 옮기는데...

좀비처럼 살아날까?

1. 게임을 해봤다면, 재밌을 거다!
앞서 말했듯이 이번 <레지던트 이블: 라쿤시티>는 기존 시리즈와는 다른 작품으로 시리즈를 챙겨보지 않아도 됩니다.
이만하면, 일부러 찾아보려는 관객들의 수고로움을 덜어주는 고마운 영화로 비춰질겠지만 이번 영화를 연출한 감독의 "원작에 충실하겠다"라는 말은 부메랑처럼 돌아옵니다.
영화 <레지던트 이블: 라쿤시티>의 이야기가 진행되는 "양조 주택"과 "라쿤시티 경찰서"는 게임의 1편과 2편의 주요 배경이거든요.
그렇기에 아는 사람들은 알아서 재밌겠지만, 모르는 사람들은 몰라서 몸을 뒤척일 겁니다.

게임을 했어야 말이지...

떼거리로 몰려드는 좀비에 총알이 빗발치고 하나둘씩 쓰러지는 물량 전부터 머리가 날아가는 화끈함까지 우리가 알고 있는 좀비 영화는 이럴 겁니다.
"밀라 요보비치 - 폴 W.S. 앤더슨"의 <레지던트 이블>, 역시 이런 액션적인 성향이 짙었다만 이번 <레지던트 이블: 라쿤시티>는 반대로 공포스러운 분위기에 신경 쓴 작품입니다.
극 중 경찰서의 좁은 통로에 몰려드는 좀비들부터 총기에서 나오는 불꽃으로 간간이 보이는 좀비들의 모습까지 제법 무서웠습니다.
그리고 초창기 게임을 즐겨본 팬들이라면, 익숙한 시점이라 반가웠을 테니 그 포부가 결코 공수표는 아님을 보여줍니다.

2. 근데, 이거 맞긴 해?
이렇게 본다면, "원작 게임 팬들은 만족하는 것이 아니냐?"라는 말들이 나오겠지만 또 그렇지만은 않습니다.
"원작"이 있다면 피해 갈 수 없는 문제 "실사화", 즉 "싱크로율"이 있습니다.
이에 "카야 스코델라리오"가 연기한 "클레어"는 그대로 나왔으며, "크리스"와 "웨스커"는 일부 달라진 점이 있어도 크게 달라지지 않더군요.
그러나 "레온"과 "질"은 원작 팬들이 예상했던 모습과는 꽤 거리가 멉니다.
어느 정도 수준이냐면, 아예 인종이 다릅니다?

홍길동이 언제부터 흑인이었지?

원작 게임에서 보이는 "레온"은 금발에 백인으로 나오는 인물입니다.
하지민 이번 <라쿤시티>에서는 까무잡잡한 피부에 흑발로 나와 아예 다른 인물로 등장하는데요.
"질", 역시 이전 <레지던트 이블 2>에서 보여준 실사화가 있기에 이번 <라쿤시티>에서의 모습이 납득되지 않았고요.
<보헤미안 랩소디>에서도 말했듯이 '하얀색 민소매 나시와 청바지, 그리고 콧수염만 있다고 해서 누구나 "프레디 머큐리"가 아니듯이' 그저, 이름만으로는 해당 캐릭터들을 그들이라고 인정할 수도 없을뿐더러 몰입하기도 어려웠습니다.

3. 분위기는 무서웠는데...
이외에도 원작 게임 팬들이라면, 두 장소에서 나올법한 악당의 후보군으로 "타일런트"와 "네메시스"를 기대했을 겁니다.
마지막 전투신을 제외하고 죽이는 것이 불가능하고, 끝까지 주인공 캐릭터들을 쫓아가기에 무섭기도 무서운 캐릭터들입니다.
특히, 최근 리메이크에서는 "중절모"를 씀으로 "김두한"이라는 친숙한 별명까지 얻어낸 캐릭터인 만큼 이들의 출연을 더 기대했을 겁니다.
결론부터 말하면, 이번 <라쿤시티>의 악당은 생각보다 아쉬움이 많았습니다.

그들의 불발도 있겠지만...

원하는 출연이 없다는 것도 있겠지만, 가장 큰 이유는 쌓아온 서사가 없는 게 더 큽니다. 앞서 말했듯이 '마지막 전투신을 제외하고 죽이는 것이 불가능하고, 끝까지 주인공 캐릭터들을 쫓아가' 무적의 이미지들로 무서운 캐릭터입니다.
이번에 나온 "윌리엄 버킨", 역시 이와 동일하나 무적의 이미지로 만들기에는 중간에 빼먹은 변이도 많았고, 그만큼의 서사도 빠져있습니다.
그렇기에 마지막 "로켓 런처"의 등장이 뭔가 눈치 없이 느껴지는 건 처음이었습니다. (시리즈에서 마지막을 장식하는 무기라서...)
107분이라는 러닝 타임이 기존 "밀라 요보비치 - 폴 W.S. 앤더슨"의 <레지던트 이블>을 포함해도 가장 긴 분량의 작품인데, 그래도 시간이 부족했다는 건 아쉬웠습니다.
분명히, 무서웠는데...

※ 이번 영화는 "롯데시네마 단독 상영작"입니다.
※ 영화가 끝나고, 크레딧이 올라가고 나서 한 개의 쿠키가 있습니다. (이 역시, 원작 캐릭터가 등장합니다!)

  2000년대 초반 청소년기를 보낸 사람이라면 누구나 알고 있는 두 시리즈가 있다. 바로 ‘트와일라잇’과 ‘해리 포터’ 시리즈. 이들은 창작물을 넘어 세대가 공유하는 거대한 문화적 현상으로 자리잡았다. 그때는 열광했으며 지금은 향수를 불러일으키는 소설과 그 영화본. <트와일라잇> 시리즈는 <해리 포터> 시리즈에 비해 조금 더 컬트적 성격이 강하며, 성장보다는 로맨스에 초점을 맞추었다. 필자는 항상 해리포터의 편이었다. 어릴 적에도 트와일라잇 시리즈는 소설은 첫번째 권, 영화는 첫번째와 마지막 편 밖에 본 적이 없다. 그렇게 근 20년이 지난 2025년, 필자의 모 영상 앱 알고리즘에 자꾸 <트와일라잇> 시리즈의 클립이 뜨기 시작했다. 댓글은 정확히 반으로 나뉘었다. 영화의 과장된 연출이나 서사를 비웃고 ‘밈’화 시키는 댓글 반, 여전히 시리즈를 사랑하는 사람들의 댓글 반. 클립과 댓글을 자꾸 보다보니 관심이 생겼다. 생각없이 재미있게 볼 수 있는 콘텐츠가 필요하기도 했다. 필자의 오랜 친구가 어릴 적 트와일라잇에 미쳐 있었던 기억도 새록새록 살아났다. 

  도대체 사람들은 왜 18살짜리 여자애와 뱀파이어, 늑대인간의 삼각관계에 열광하는가? 도대체 그 매력이 무엇인가? 20년 늦게 내 또래가 공유한 컬트적 문화현상에 뛰어들어 보기로 하였다.

연휴를 맞아 이틀만에 5편의 영화를 다 봤다. 그런데…이거…재밌잖아?

   그렇다. 재미있었다. 생각보다 더 재미있었다. 너 없으면 차라리 죽겠다며 러브 이즈 올을 외쳐대는 주인공의 나이가 한명은 18살, 한명은 16살..(한명은 109살…) 이라는 점이 생각날 때마다 조금 웃기긴 했으나 그건 나이가 들며 시니컬 해진 나의 영혼을 탓하자. 에이, 저런 게 어디 있어. 쟤는 쟤가 왜 저렇게까지 좋다는건데? 얘야, 인생 길다-남자 따라 뱀파이어가 되겠다는 게 말이 되니? 근데 너네 입시 준비는 안 하니? 같은 생각을 하면서도 ‘영원한 사랑’ 을 이루어 내고야 마는 주인공을 보면 묘하게 구미가 당긴다.

   여러 가지가 있겠지만, 사람들이 <트와일라잇> 시리즈에 열광하는 가장 큰 이유는 바로 이 극단의 낭만성에서 나온다. 시리즈의 서사는 어디 하나 샐 구석이 없는 해피 엔딩을 보여주고, 서사의 설정은 현실이 가져오는 그 모든 찝찝함을 해소하는 방법을 제시하기 위해 존재하는 듯 하다. 뱀파이어가 되는 순간 자신이 가질 수 있는 가장 아름다운 외모를 갖게 되며, 뱀파이어는 햇살에 나갈 수 있되 햇살 아래서는 다이아몬드처럼 아름답게 빛난다. 남자주인공과 그의 가족 뱀파이어들은 인간이 아닌 동물의 피만 마시는 소위 ‘채식주의자’들이다. 에드워드와 벨라 사이에서 낳은 딸은 7년만에 25살의 모습으로 자라 불멸의 존재가 되기에 육아로 신혼이 망가지는 일은 없다. 주인공이 자식을 먼저 보내고 영생을 살 필요도 없다. 또, 벨라를 짝사랑하다 외롭게 남겨질 뻔한 친구이자 벨라의 세컨드(?) 제이콥은 벨라의 딸의 운명적 보호자가 됨으로서 그들 곁에 남는다. 

  '사랑하는 상대의 죽음’ 이외에는 도무지 진지하게 불행이 끼어들 틈이 없는 설정이다. 이런 촘촘한 설정이 세계관 전반에 걸쳐 나타난다. 혹자는 인위적이라 비판할 수 있겠지만, 시리즈가 <트와일라잇 공식 설정집> 이라는 책 본권과 비슷한 두께의 단행본이 있을 만큼 자세한 세계관과 캐릭터 설정을 바탕으로 했음은 부정할 수 없는 사실이다. 내용의 호불호가 어떻든, <트와일라잇> 시리즈는 소비자들이 시리즈의 서사에 깊이 파고들 만한 풍부한 콘텐츠를 바탕으로 2000년대의 인디- 컬트 문화로 재탄생한 것이다.  

 시리즈의 설정 중 가장 핵심 명제는 '뱀파이어의 사랑은 영원하다’ 이다. 뱀파이어는 자신의 운명의 짝을 만나면 웬만해서는 영원히 그 사람(?)을 사랑하고, 한 사람이 죽으면 대부분 따라 죽거나 미쳐버린다는 설정이다. 한 사람을 영원히 사랑하며 사는 불멸의 삶이라니, 이 얼마나 어처구니없이 낭만적인 세계관이란 말인가. 이처럼, <트와일라잇>의 서사는 ‘낭만적인 영원함’을 바탕으로 수렴한다. 영화의 아주 훌륭한 사운드트랙 역시 이 테마를 중심으로 영화를 장식한다. 영국 락밴드 뮤즈의 디스코그라피 중 가장 로맨틱한 <Neutron Star Collision> 은 “우리의 사랑은 영원하며, 누구 하나가 죽는다면 우리는 함께 죽을 것(Our love would be forever, And if we die, We die together)” 이라 노래하며, 크리스티나 페리의 엔딩곡 <Thousand Year> 은 천년간 당신을 사랑해왔으며, 앞으로도 천년 동안 당신을 사랑하리라 속삭이며 시리즈의 막을 닫는다. ‘Happily ever after’ 의 조건을 완벽히 충족하고, 영원이라는 가능성만을 남겨둔 채로 영화가 끝날 때 많은 사람들이 남몰래 카타르시스를 느꼈으리라 믿는다. 누구나 한번은 영원히 변치 않는 운명적 사랑, 같은 해피 엔딩을 꿈꿔본 적이 있기 때문이다. 

  칼럼의 주제와는 별개의 이야기이지만, 영화의 전반적인 연출과 색감, 촬영 또한 받는 비판에 비해 훌륭하다. 뱀파이어라는 초자연적 존재를 관객이 간접 체험하게 만들기 위하여 특수 촬영 효과와 카메라의 무브먼트(eg. 뱀파이어의 POV샷일 때는 꼭 whip pan을 쓴다) 를 자주 이용하는데, 효과적일 뿐더러 많은 고민의 흔적이 느껴진다. 온전한 판타지의 영역을 현실의 감각으로 들여오기 위하여 쓴 연출이 대부분 훌륭하다. 인물의 불친절한 감정선을 카메라로 표현하여 관객의 몰입을 돕는 연출 또한 제 역할을 하고 있다. 개인적으로 첫 번째 편의 색감을 그대로 유지했으면 어땠을까 하는 호기심이 있지만..감독이 하차한 관계로 <뉴문> 부터는 <트와일라잇> 특유의 푸른 색감이 없다.

범상치 않은 다크한 상상력으로 매니아를 구축해온 거장 팀 버튼이 인기 애니메이션 '아담스 패밀리'의 스핀오프로 화려하게 돌아왔다. 별종들의 세계를 조명하는 드라마 '웬즈데이'는 환영을 보는 주인공 웬즈데이가 별종들의 학교인 네버모어에 입성하면서 시작한다. 단체 생활을 극혐하는 웬즈데이는 하루빨리 학교를 탈출하고자 계획을 꾸미는데.......... 근처에 살인 사건이 났다는 소식을 듣고 학교에서 재미있는 일이 벌어지고 있음을 직감한 웬즈데이는 학교에 관심이 생긴다. 그래서 학교를 계속 다니며 살인 사건의 추리를 시작하는데 과연 웬즈데이는 범인을 잡아낼 수 있을까?

1. 기괴하고 시크하지만 묘하게 귀여운 웬즈데이

이번에도 팀 버튼 영화에 자주 등장하는 별종 소재로 눈길을 사로잡는다. '미스 페레그린과 아이들'과 같은 소재에 '다크 섀도우' 같은 호러스러운 분위기를 입힌 그의 주특기로 돌아온 것이다. 웬즈데이는 전갈을 애완동물로 키웠던 적이 있는 만큼 기괴하고 호러스러운 분위기를 자아내며 직설적이고 날카로운 말로 학교 안에서도 '자발적 왕따'를 자처한다. 그는 세상 속 통념에 대해 비판하며 따뜻함이라고는 눈 씻고 찾아봐도 없는 존재인 것처럼 행동하지만 수사를 위한 것이라는 명목으로 룸메이트인 이니드에게 못 이기는 척 모든 학교 행사에 본의 아니게 참여하며 인싸의 삶을 살게 된다. 그리고 오글거리는 것은 딱 질색인 그가 타일러와 썸을 타는 모습과 이니드와 친구가 되어가는 과정 속에서 그도 결국 '센 척 하는 여린 사람'일 뿐이라는 것이 드러난다. 무도회에 참여해 기괴한 춤을 선보이며 매력 발산하는 모습은 웃기다 못해 귀엽다. 이 장면으로 유입되어 보는 사람들 꽤 많았을 것이라고 생각한다.

게다가 웬즈데이는 확실히 강단이 있다. 학교를 위협하는 살인자의 존재에 대해 교장과의 마찰이 있을 때에도 자신의 의견을 가감없이 표출한다. 그 의견이 교장의 심기를 거스르더라도 신경쓰지 않는다. 사실 웬즈데이가 하는 말들은 마음은 아프지만 대체로 맞는 말이다. 알고 당하는 팩폭이라 마음이 더 아프다. 포장만 다크하고 마음은 은근히 따뜻한 그야말로 개성있는 대중적 캐릭터인 것이다. 세상 삐딱한 것 같아 보여도 결국 정의로운 행동은 다 하고 있는 캐릭터이기에 애정이 생긴다고나 할까.

2. 내용은 뻔한 듯 하지만 소재의 힘으로 이겨낸

사실 내용은 별거 없다. 한 소녀가 학교와 마을의 비밀을 파헤치고 영웅이 된다는 이야기이고 그래서인지 해리포터와 많이 비교된다. 스토리 라인과 고딕적인 분위기의 세계관도 그런 비교에 한 몫 하는 것 같다. 참고로 나는 해리포터 시리즈 광팬이다. 그래서 이 드라마가 마음에 들었던 것 같다.

하지만 내 의견과 관계없이 이 드라마의 인기요인에 대해 분석해 보자면, 팀 버튼이 구현할 만한 호러스러운 주인공을 앞세워 팀 버튼의 팬들도 실망시키지 않고 대중성도 잡아냈다는 점이 인상적이다. 자칫 뻔할 수 있었던 스토리를 상상력이 돋보이는 세계관으로 잘 버무렸다고 본다. 고어하고 호러스러운 설정을 설명하는 데 중세적 분위기가 돋보이는 고딕적 세계관과 배경이 찰떡 같이 잘 어울렸다. 또한 이런 장르의 판타지 드라마는 내용에 대한 기대치보다 결국 세계관이 얼마나 매력적이고 시선을 끄는지가 곧 대중성과 직결되는 만큼 '웬즈데이'는 첫 시즌부터 잘 만들어진 세계관과 많은 떡밥으로 다음 시즌이 기대되는 드라마다.

이 드라마는 다음 시즌을 대놓고 암시했다. 우선 웬즈데이를 스토킹하는 자의 등장으로 그는 다음 학기에도 네버모어에 다시 돌아올 것으로 보이는데 아직 더 큰 배후가 있음을 예상케 한다. 또한 세계관 속 빌런인 '하이드'가 다시 흑화하는 장면을 통해 그도 다시 돌아올 것이라고 예고했다. 또한 다음 시즌에서도 또다시 별종들을 혐오하는 자가 등장할 듯 싶은데 이번 시즌에서는 활약이 크지 않았던 뱀파이어가 특별한 역할을 부여받게 될지도 기대된다. 아니면 해리포터 시리즈에서처럼 '후플푸프' 같이 크게 스토리라인에 영향을 미치지 않는 종족이려나.

3. 웬즈데이를 향한 약간의 주접

아까 뻔한 내용의 드라마라고 하긴 했지만 별종을 혐오하는 이기적인 인간을 그렸다는 점에서  이 드라마의 스토리라인이 깡통은 아니라고 생각한다. 별종을 사회적 기준에서 조금 벗어난 별난 사람들, 더 나아가 장애가 있는 사람들을 그린 것이라면 다수의 논리로 소수를 억압하는 사회적 통념의 폭력성을 꼬집었다는 점에서 이 드라마가 시사하는 메시지는 꽤나 진중하다. 보편성을 위해 특이성을 핍박한다면 아돌프 히틀러가 꿈꾸던 우생주의적 시각과 크게 다르지 않기 때문에 평범함이라는 단어가 가진 집단적 우월함을 꼬집는다는 점에서 통쾌함을 선사하기도 한다.

웬즈데이는 결국 소외된 집단의 히어로인 것이다. 집단주의를 혐오하지만 결국엔 자신이 속한 집단을 구해낼 히어로라니, 참 매력적이지 않을 수 없다. 물론 집단을 위한다는 대단한 정의감이 아닌, 누군가가 자신을 공격하는 상황이 그저 재미있을 뿐인 쾌락주의형 캐릭터지만 말이다. 아니다. 그래서 더 매력적이다. 그래서 다음 시즌이 더욱 기대된다.

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[2021년 7월 9일, 넷플릭스 공개]

자폐 스펙트럼 장애를 가진 10대 소년 샘은 어느 날 여친을 사귀겠노라 마음먹는다.

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만약에 ?손금을 바꾸면 우리도 바뀔까?? 내가 아닌 내가 되고 싶었던 우리의 성장통 [헝거] 티저 예고편 대공개!